Rufus Wainwright über „Folkocracy“, seinen „eklatanten“ Grammy

Von Todd Gilchrist

Editor

25 Jahre sind seit der Veröffentlichung von Rufus Wainwrights selbstbetiteltem Debütalbum vergangen, einer rhapsodischen Sammlung von 12 Liedern, die seine offene Homosexualität feiern und vom Produzenten Jon Brion angemessen vom Kabarett inspiriert wurden. Wainwright feiert diesen Anlass nicht nur mit einer erweiterten, remasterten, rein digitalen Neuveröffentlichung mit zehn zusätzlichen Songs aus dem dreijährigen, 56 Songs umfassenden Aufnahmeprozess, sondern wird am 2. Juni auch „Folkocracy“ uraufführen, eine Anthologie produzierter Cover von Mitchell Froom. Für den Singer-Songwriter schließt sich der Kreis, nachdem er jahrzehntelang das traditionelle Genre seiner Familie außer Acht gelassen hat: Obwohl er viele Male mit seinem Folksänger-Vater Loudon Wainwright III, seiner verstorbenen Mutter Kate McGarrigle und seiner Tante Anna McGarrigle zusammengearbeitet hat, ist das Album das erste offizielle Album Folk-/Americana-Aufnahmen seiner Karriere.

Vor seinem Auftritt am 2. Juni in der Walt Disney Hall in Los Angeles sprach Wainwright mit Variety über den glücklichen Zufall, dass „Folkocracy“ nur wenige Wochen nach dem 19. Mai-Jubiläum von „Rufus Wainwright“ eintrifft. Wainwright beschrieb nicht nur seine (bis jetzt) ​​karrierelange Abneigung gegen Volksmusik und den vielschichtigen, aber „offensichtlich ehrlichen“ Grund, warum er sich entschied, sich dem Erbe seiner Familie anzuschließen, sondern blickte auch auf die Auswirkungen (sowohl auf ihn als auch auf die Welt) zurück, die die Schaffung einer solchen Musik mit sich brachte Ein langsam kochendes Debüt, und er dachte über seine ständige Auseinandersetzung zwischen Originalmaterial und Adaptionen oder Covern als Kanal für seine Kreativität nach.

„Folkocracy“ erscheint nur wenige Wochen nach dem 25. Jahrestag Ihres Debütalbums. War das Zufall oder strategisch?

Ich hatte keine Ahnung, dass entweder der 25. Jahrestag meines ersten Albums oder mein 50. Geburtstag, der im Juli bevorsteht, dieses Folk-Album herausbringen würde. Aber wenn man einen Schritt zurücktritt und das Muster betrachtet, ergibt es natürlich symbolisch durchaus Sinn.

Sehen Sie eine klare Grenze zwischen diesem Rekord und diesem?

Nicht unbedingt. Ich sehe meine Alben in vielerlei Hinsicht als Abkehr vom Folk. Ich hatte immer Volksmusik als Grundlage, weil ich damit aufgewachsen bin. Aber ich habe mich in dieser Welt nie besonders wohl gefühlt, vor allem wegen meiner Sexualität. Ich denke, wenn ich lesbisch gewesen wäre, wäre es viel einfacher gewesen, denn es gibt eine echte lesbische Tradition in der Volksmusik. Aber als schwuler Mann, der in den 70er und 80er Jahren aufwuchs, war der Umgang mit der Folk-Welt, die unglaublich heterosexuell ist, schwierig. Dieses Album ist also tatsächlich das erste Mal, dass ich mich wirklich umgedreht habe und mich einfach auf dieses Genre konzentriert habe, vor dem ich die meiste Zeit ein wenig davonlaufe.

Im Laufe Ihrer Karriere schwankten Sie zwischen Originalmaterial und Adaptionen oder Coverversionen. Inwiefern stellen sie Sie vor unterschiedliche Herausforderungen?

Es sind so unterschiedliche Tiere. Ich bin ein dreiköpfiges Monster, einer ist ein Komponist, der Opern schreibt, und ich komponiere ein Requiem und so weiter, also bin ich eher dem klassischen Genre oder der Welt des Musiktheaters zuzuordnen. Dann habe ich meine Arbeit als Singer-Songwriter, bei der es einfach darum geht, Lieder über mein Leben und „die Wainright-Erfahrung“ zu schreiben. Und drittens bin ich ein Sänger, der alle möglichen Materialien interpretiert. Sie sind sehr einzigartig und ignorieren sich irgendwie gegenseitig und konkurrieren miteinander.

Soweit ich weiß, bestand Ihr Debüt aus 56 Songs auf 12 Tracks. Wie viele von denen, die es ursprünglich nicht auf die Aufnahme geschafft hatten, tauchten später auf späteren Alben auf?

Viele von ihnen haben es auf andere Alben geschafft. Es gibt jedoch immer noch einige, mit denen ich mich noch nicht wirklich befassen konnte. Es dauerte drei Jahre, diese Platte aufzunehmen. Es war also eine schwere Aufgabe, und Jon Brion und ich haben unermüdlich daran gearbeitet, es zu produzieren und so weiter. Und ich war unglaublich anspruchsvoll und unglaublich umsichtig und kritisch, wenn es darum ging, eine gute Platte herauszubringen – bis zu dem Punkt, an dem Jon Brion nicht mehr mit mir sprach. Deshalb habe ich viel Mühe in dieses Album gesteckt.

Ich habe ihn letztes Jahr interviewt und er hat sich sehr lobend über Sie geäußert.

Das war für mich etwas unter der Gürtellinie, aber sagen wir einfach, wir haben alles in diese Platte gepackt.

Er wird mit den Worten zitiert, dass Sie bei diesen Liedern großen Wert auf sehr komplexe Arrangements gelegt hätten. Ist das nur ein natürlicher Instinkt?

Damals begann meine Liebesbeziehung zur Oper, die bis heute geblieben ist. Aber zu diesem Zeitpunkt war ich wirklich berauscht von Richard Strauss und Wagner und Janáček und diesen großartigen Opernkomponisten, die sozusagen alles an die Wand warfen, um zu sehen, was hängen blieb. Und ich glaube, ich war in dieser Denkweise. Aber wenn überhaupt, konnte ich bei meinen letzten Platten, insbesondere bei der Zusammenarbeit mit Mitchell Froom, etwas zurücktreten und die Dinge etwas weniger übertrieben angehen, was für den Moment angemessen ist. Ich finde es aber cool, dass ich gleich zu Beginn Vollgas gegeben habe.

Von Beginn Ihrer Karriere an haben Sie viele sehr gebildete Einflüsse miteinbezogen. Wie viel Ihrer Kreativität besteht darin, dass Sie versuchen, einflussreiche oder inspirierende Kunst nachzuahmen?

Ich habe immer Menschen nachgeahmt, die ich verehre. Und ich empfinde das tatsächlich auf seltsame Weise, weil ich so von so vielen Menschen beeinflusst wurde und immer mein Ohr offen hatte, um mich an etwas festzuhalten, sodass es wie ich klang. Es war eine Verschmelzung so vieler unterschiedlicher musikalischer Bewegungen, sei es Kurt Weill, den ich jetzt singe, oder die Oper oder meine Folk-Wurzeln oder das, was damals mit Sonic Youth und Nirvana los war. Ich habe nie zwischen musikalischen Einflüssen unterschieden und das hat mir, glaube ich, meinen eigenen, richtigen Sound verliehen, weil ich diesen Frankenstein der Musik geschaffen habe.

Dreamworks war ein bekanntermaßen anachronistisches Label, wenn es um die Förderung seiner Künstler ging. Inwieweit war es eine Tugend, einem die natürliche Entwicklung zu ermöglichen, und inwieweit war es ein Laster?

Es gibt ein Argument dafür, dass ich wahrscheinlich der letzte Künstler war, der es heute noch gibt und der mit seiner Plattenfirma diesen Old-School-Rollout hatte. Nachdem ich mit Lenny Waronker und Mo Ostin zusammengearbeitet habe, gibt es nach mir nur noch sehr wenige Menschen, die sich dieses Freiraums und dieser Aufmerksamkeit und des Vertrauens rühmen können, dass irgendwann etwas passieren würde, selbst wenn es wie auf der dritten Platte lief. Ich hatte großes Glück, das gehabt zu haben. Es gab auch einen Preis zu zahlen. Und wenn ich das sage, meine ich wörtlich den Preis, denn es kostet mich viel Geld, einfach nur herumzusitzen und zu komponieren. Und mir war natürlich nicht bewusst, dass ich am Ende des Tages in vielerlei Hinsicht selbst dafür aufkommen musste, in Form von Wiedergutmachung und so weiter. Also bin ich knapp nicht zur Bank gegangen. Aber das ist okay – es hat sich gelohnt.

Sie haben über Ihr Wohlbefinden in der Folk-Welt gesprochen, aber damals haben Ihnen die Leute sofort Ihre Offenheit gegenüber Ihrer Sexualität und Ihrer Musik zugeschrieben. Hat diese Anerkennung Ihr Selbstvertrauen gestärkt oder vielleicht einen gewissen Druck für die Zukunft ausgeübt?

Es waren eigentlich zwei Elemente, die diese Tatsache auslösten. Einer davon war, dass ich im Allgemeinen einfach ein schlechter Lügner bin. Ich bin immer gewesen. Ich bin nicht gut darin, die Wahrheit zu verbergen, also kommt sie trotzdem ans Licht. Aber die andere Sache, die meiner Meinung nach in gewisser Weise tiefgründiger ist und die wir heute oft vergessen, ist, dass sie mitten in der AIDS-Krise stattfand. Und ich hatte einfach solche Angst davor, meine Sexualität zu verbergen und dann AIDS zu bekommen und es wie Rock Hudson oder Liberace verstecken zu müssen, und das war eine Art doppelte Schande. In vielerlei Hinsicht war es also so: „Schauen Sie, ich möchte einfach meine Sexualität zum Ausdruck bringen, sie sollen damit umgehen, und wenn ich dann krank werde, werde ich einfach so damit umgehen und muss es nicht tun.“ Beschäftige mich auch mit meiner Sexualität. Es war eigentlich ziemlich pragmatisch.

Sind Sie auf Widerstand gestoßen, sei es durch die Unterstützung der Labels, für die Sie gearbeitet haben, oder einfach nur in Ihrer kreativen Community?

Es gab viel Widerstand. Nichts Direktes in dem Sinne, dass niemand sagen würde: „Oh, wir stellen nicht ein, weil du schwul bist.“ Ich habe definitiv bestimmte Slots gesehen, die in bestimmten Musikfernsehsendungen an andere gingen. Bestimmte Agenten würden sagen: „Könnten Sie nicht einfach so tun, als wäre er bisexuell?“ Das wurde oft gesagt. Aber ich denke, besonders als ich mir die ganze Sache mit Judy Garland ansah [sein Album „Rufus Does Judy at Carnegie Hall“], da dachten sie: „Oh Mann, wir haben ihn verloren.“

Um genauer auf „Folkocracy“ zu sprechen: Es gibt offensichtlich eine spürbare Zuneigung zu diesen traditionellen Songwriting-Strukturen. Wie haben Sie das verbindende Prinzip rund um diese Platte konzipiert?

Ich werde diesbezüglich völlig ehrlich sein, weil ich denke, dass es eine irgendwie lustige Geschichte ist. Was passiert ist, ist, dass mein letztes Album mit Mitchell, „Unfollow the Rules“, für einen Grammy nominiert wurde und die Kategorie „Bester traditioneller amerikanischer Popgesang“ war, eine seltsame Kategorie, in der ich tatsächlich schon einmal nominiert war, als ich die Judy-Platte gemacht habe . Es scheint ein Bereich zu sein, in dem sie Alben platzieren, die sie nicht ganz kategorisieren können, weil es keine Singer-Songwriter-Kategorie gibt. Leider habe ich nicht gewonnen, aber ich habe mir die Show angesehen und mir ist aufgefallen, dass es noch all diese anderen Kategorien von Country, Folk, Americana-Wurzeln und all diese akustische Musik gab. Und ein kleines Licht ging in meinem Kopf auf und ich sagte: „Ich weiß, wie man das macht. Das ist Teil meiner Erziehung. Warum versuche ich es nicht einfach auf diese Weise, um einen Grammy zu bekommen?“ Und mein Mann managt mich, und dann habe ich es auch Mitchell erzählt, und es war ein bisschen ähnlich wie beim Judy-Garland-Projekt, wo, als ich es erwähnte, plötzlich all diese anderen Funken entzündet wurden und wir ein kleines Feuer hatten. Und als nächstes brennt das Haus auf schöne Weise nieder. Ja, ich würde natürlich gerne einen Grammy gewinnen, aber jetzt, da ich 50 werde, jährt sich meine erste Platte zum 25. Mal. Und auch viele aus der Generation meiner Eltern, mein Vater ist immer noch bei uns, aber andere sind gegangen. Dass wir sozusagen am Ende dieser Ära der Folk-Welt und der klassischen Folk-Welt, mit der ich aufgewachsen bin, stehen, hielt ich für notwendig, auch das zu feiern.

Du hast mit den meisten Leuten an diesem Album schon einmal zusammengearbeitet. Gab es jemanden, bei dem Sie sich nur darüber aufgeregt haben, endlich mit ihm zusammenzuarbeiten oder auf eine neue Art und Weise zusammenzuarbeiten?

Auf jeden Fall Chaka Khan. Ich kenne sie schon seit ein paar Jahren, habe aber noch nie mit ihr zusammengearbeitet. Das war super spannend und absolut himmlisch. Ich habe immer den Witz mit ihr gemacht, wie: „Oh, Rufus und Chaka Khan sind wieder zusammen.“ Und genau das geschah. Das hat also Spaß gemacht.

Es gab keinen Instinkt, „Sag mir etwas Gutes“ oder so etwas zu sagen?

Nein. Ich kenne meinen Platz. Das hat also Spaß gemacht. Ich habe ein paar Mal mit Brandi [Carlile] zusammengearbeitet. Das ist immer ein Nervenkitzel. John Legend war großartig. Ich hatte noch nie mit ihm gesungen. Und das war wirklich schön, was wir gemeinsam machen konnten. Ich möchte nicht, dass das so seltsam rüberkommt, aber es ist großartig, mit farbigen Menschen zu singen. Und dann war da noch Nicole Scherzinger, die zum Teil Hawaiianerin ist, denn in der Volksmusik geht es auch um die Wurzeln der Menschen und woher sie kommen. Und so war es für mich einfach eine wundervolle Reise, vielleicht noch mehr in die Gospel-Seite der Dinge einzutauchen, insbesondere mit dem Chaka Khan. Es war also schön, zur Seele der Menschen im Allgemeinen vorzudringen.

Sie sind nicht auf dem Album, aber Sie haben Sam Smith Sharon Stone vorgestellt und sie haben bei seinem „Saturday Night Live“-Auftritt zusammengearbeitet. Waren Sie überrascht, sie mit ihm auftreten zu sehen?

Mir gefiel die Idee, dass Sam für Sharon singt. Sie ist so eine Ikone und eine starke, inspirierende, kluge und warmherzige Frau. Ich habe ein Lied über Sharon geschrieben und sie hat mir eines ihrer Gemälde geschenkt, das sich in unserem Haus in Montauk befindet. Wir schätzen uns also auf jeden Fall künstlerisch und sind im Leben des anderen.

Ihre Interpretation von „Hush Little Baby“ ist deutlich bedrohlicher und theatralischer als ein Schlaflied. Ist es eine Herausforderung oder Verantwortung, die Geschichte dieser Lieder zu beobachten, während Sie sie neu interpretieren?

Das Stück, das mich wahrscheinlich am meisten herausgefordert hat, war „Down in the Willow Garden“, einfach weil es so offensichtlich masochistisch und mörderisch ist und aus der Perspektive des Täters gesungen wird. Deshalb wollte ich das unbedingt mit einer Frau singen. Also hat Brandy [Carlisle] das mit mir gemacht, und das war mir bewusst. Das andere Lied, auf das ich mich wirklich konzentriert habe und zu dem ich eine philosophische Beziehung hatte, war das hawaiianische Lied „Kaulana Nā Pua“, das ich in der Muttersprache singe. Anfangs wollte ich vielleicht einfach ein bisschen abdriften, indem ich mir die alte Aufnahme anhörte und irgendwie versuchte, sie anzupassen oder was auch immer, aber dann wurde mir schnell klar, dass es völlig uneuropäisch ist, in einer Muttersprache zu singen , du musst wirklich ein wenig arbeiten. Und so bekam ich am Ende viel Coaching und an dem Tag, an dem ich es aufnahm, war es eine der schwierigsten Sitzungen, an denen ich je teilgenommen habe. Und anschließend eine der Sitzungen, auf die ich am meisten stolz bin Habe es jemals getan.

Wir leben heute in einer Zeit, in der das Aufführen von Liedern, die nicht aus der Tradition stammen, aus der wir stammen, umstrittener ist als früher. Gab es persönliche oder größere kulturelle Minenfelder, die Sie bei der Auswahl der Lieder unbedingt umgehen mussten?

Das war, wie gesagt, ein Punkt, bei dem mir klar wurde, dass ich wirklich aufpassen musste. Und dann haben wir es anschließend tatsächlich einigen einheimischen Hawaiianern vorgespielt und ihr Gütesiegel erhalten und so weiter. Aber dann ist da noch die Tatsache, dass ein großartiges Lied ein großartiges Lied ist, und es gibt etwas in der Volkstradition, bei dem es darum geht, die eigene Kultur einer anderen zu vermitteln. Früher war Volksmusik wie das Fernsehen – früher war sie die Art und Weise, wie Informationen verbreitet wurden. Und was macht uns zu Menschen, wenn nicht diese unterschiedlichen Volkskulturen, die sich überschneiden und dann neue bilden? Deshalb denke ich, dass man einerseits aufmerksam sein muss, aber auch mutig sein muss.

„Kaulana Nā Pua“ ist auch einer von vielen Songs auf diesem Album, die einen politischen Subtext haben. Wie sehr, wenn überhaupt, war es für Sie ein politisches Album?

Mit diesem Lied und auch mit meinem eigenen Lied „Going to a Town“ und auch mit „Arthur McBride“ wollen wir die politische Tradition eines Aktivisten in der Volksmusik fortsetzen, die sicherlich aus der Generation meiner Eltern stammt war völlig die Norm. Und das fehlt heute so sehr, dass ich es verblüffend finde, wie distanziert Künstler heute von dem sind, was vor sich geht. Wir müssen rausgehen und einfach anfangen, alles zu tun, was wir können, um unsere Demokratie zu retten und für Menschenrechte usw. zu kämpfen. Das war ein sehr wichtiger Thread, den ich in dieses Album einbringen wollte.

Wie groß ist der Nervenkitzel oder die Herausforderung für Sie, diese potenziell weniger kommerziell bekannten Formen wie die Oper zu übernehmen und sie einem Publikum vorzustellen, das sie möglicherweise nicht kennt oder nicht einmal erkennt, wenn Sie Ihre endgültige Fassung liefern?

Ich finde es für mich persönlich im Moment auf spiritueller Ebene sehr wertvoll. Es gibt dieses ganze Gerede über KI und „Computer werden das Universum erobern“ und all diesen Kram, wir werden keine Songwriter mehr brauchen. Und meine einzige Antwort darauf ist wirklich, einen Blick auf diese erstaunlichen Kunstwerke zu werfen, die wir bereits geerbt haben. Diese großartigen Lieder, diese großartigen Romane, diese großartigen Theaterstücke. Versuchen wir einfach zunächst, diese zu meistern und uns dann Gedanken darüber zu machen, was die Roboter tun werden. Denn als künstlerische Kultur ist die Menschheit ziemlich unglaublich. Und in anderen Abteilungen mangelt es ihnen sicherlich, aber ich denke, als kreative Wesen habe ich großes Vertrauen in das, was wir tun. Und es ging immer darum, in die Vergangenheit zu blicken, das Vorhergehende zu studieren und darauf aufzubauen. Ehrlich gesagt denke ich, dass das der richtige Weg ist, wenn man mit der Roboterapokalypse konfrontiert wird.

Wie sehr lädt dich ein Album wie dieses auf oder verschafft dir eine kleine Erleichterung für eine weitere Platte mit reinen Originalkompositionen?

Nun, wir werden sehen. Ich muss mit der Platte auf Tour gehen. Ich freue mich sehr darauf, mit meiner Schwester Lucy und auch meiner Freundin Petra Haden und der Band auszugehen. Die Tour ist nicht besonders anstrengend. Ich wollte nicht da rausgehen und, was auch immer, herumplagen. Ich wollte, dass es die ganze Zeit Spaß macht und magisch ist. Es wird also nicht allzu lange dauern, aber wir werden sehen. Ich freue mich darauf, einfach weiterzumachen und Spaß zu haben. Aber möchte ich ins Studio gehen und ein Album mit all meinen neuen Songs machen? Ich bin noch nicht sicher. Ich bin ein ziemlich beschäftigter Typ.